Joyeux Noël !!

Je représenterai mes collègues Dan Fernandes, Albert Carreres et Javi Chaler pour recevoir ce titre honorifique. Pour fêter l’évenement, je serai en dédicace à la médiathèque de Bidart samedi matin pour “Banc de Touche” (tomes 1 et 2 + hors-série “Marseille”). J’en profiterai également pour signer “La France de Tout en Bas”.

Si vous voulez avoir un aperçu des gags de “BDT”, téléchargez gratuitement notre “best of” virtuel en cliquant sur sa couverture :

La dédicace, ça se passe comment, déjà ?

• sceneario.com : pour la sortie de Banc de Touche,
• bdtheque.com : pour mon travail de scénariste BD,
• france-comics.com : à propos de lettrage,
• cineheroes.net : pour mon avis sur les films de super-héros,
• beyondcomicbooks.com : pour ce que j’écoute comme musique pour travailler,
• msf-fr.com : pour discuter manga,
• comicsblog.fr : pour mon métier de traducteur de comics,
• cablechronicles.com : pour discuter de l’ensemble de mes activités au sein de MAKMA,
• bdmaniac.fr : pour parler de Walking Dead.

J’ai récemment répondu aux questions de Nathalie Lenoir qui tient l’excellent site Scénario-Buzz. En attendant la publication de l’interview, je vous en propose un avant-goût. Pour lire l’intégralité de mes réponses, il faudra pister régulièrement les nouveaux articles sur son site !

Préférez-vous travailler seul ou avec un co-auteur ?

Ça dépend pour quoi. Pour la BD d’humour, c’est très dur de travailler seul. Pondre gag sur gag en restant efficace, ça n’est pas à la portée de tout le monde. Du coup, je préfère travailler en duo ou en groupe plus nombreux. Sinon, de toute façon, la BD est souvent un travail d’équipe. En tant que scénariste, j’ai besoin d’un dessinateur pour mettre mes histoires en image. Donc même si j’écris seul une BD d’aventure, j’ai quand même des échanges avec le dessinateur, c’est obligatoire, ne serait-ce que pour bien s’entendre sur le rythme et sur les effets.

Et si vous voulez voir comment on écrit de la BD d’humour à plusieurs, je vous invite à vous procurer La France de Tout en Bas, publié par Bac@BD cet été, ou bien à lire gratuitement sur Superpouvoir.com le strip BD “SuperSlips” !

La première, “Existence 2.0″ bénéficie d’une très bonne intrigue, bien ficelée, qui tient sur trois épisodes. La fin est émouvante et aurait pu (dû ?) se suffire à elle-même. L’histoire est racontée à coup de flashes-back, comme dans le film Memento de Chris Nolan. Malgré une complexification pas toujours souhaitable, on comprend quand même bien ce qui se passe. Il y a de bonnes scènes d’action, de bons dialogues avec des répliques efficaces, plusieurs moments forts, des éclats de rire, de l’émotion. Bref, tous les ingrédients pour faire une bonne BD sont réunis.

La deuxième mini-série qui complète ce recueil américain est “Existence 3.0″. Si elle est très intéressante, je l’ai trouvée plutôt confuse. Le scénario pose beaucoup de questions qui restent sans réponse et pour être honnête, je ne suis pas sûr d’avoir tout pigé moi-même.

Globalement, sur les deux séries, les dessins ne sont pas très beaux et ne sont pas dépourvus de d’erreurs, à tel point que dans le 3.0, je me demande si le dessinateur a bien compris le scénariste… à moins que ce ne soit le coloriste qui ait interverti des personnages ? Ou c’est juste moi qui n’ai rien compris, ce qui reste une possibilité.

Au final, ça reste un moment de divertissement agréable, source d’interrogation sur le sens de la vie (carrément). Je vote pour !

Ces deux bouquins sont vraiment passionnants. Le premier fait la part belle à l’illustration, forcément. Il compile les 48 premières couvertures des épisodes américains de la série, ainsi que celles des recueils en tous genres : Trade Paperback, Hardcovers et autres Compendium.

Pour chaque illustration – chaque œuvre d’art – l’auteur vient resituer sa création dans son contexte : dans quelles conditions telle ou telle couverture a-t-elle été réalisée ? Pourquoi ? Y avait-il un thème dominant ? Qu’est-ce qu’il a fallu changer ? Qu’est-ce qui devait rester mystérieux pour ne pas dévoiler la surprise à l’intérieur des pages, etc. Tony Moore et Charlie Adlard donnent leur point de vue d’artistes sur leur méthode de travail, tandis que Robert Kirkman nous fait partager les raisons qui l’ont poussé à commander un certain type d’ambiance ou de dessin plutôt qu’un autre.

Ci-dessous, quelques unes de mes couvertures préférées par Tony Moore, que vous pouvez découvrir directement sur la galerie de son site.

Le deuxième livre a été beaucoup plus long à traduire. Pour la petite histoire, Thierry Mornet (Delcourt) m’en a passé commande à la veille de mon départ en vacances et je n’ai pu commencer à travailler dessus sérieusement qu’à mon retour. Et comme il fallait le réaliser en urgence, je peux vous dire que moi aussi, j’avais une tête de zombie quand j’ai rendu ma copie.

Ces « Chroniques de Walking Dead » font le point sur la série télévisée Walking Dead à la charnière entre les deux premières saisons. C’est d’ailleurs assez terrible : au moment où je traduisais la préface de Frank Darabont, ce dernier venait tout juste d’être licencié par la chaîne AMC pour divergences d’opinions. Cela n’enlève rien à l’intérêt du bouquin et des témoignages qu’il renferme : producteurs, acteurs, réalisateurs, maquilleurs, spécialistes des effets spéciaux… même Charlie Adlard et Robert Kirkman ont leur mot à dire.

Le livre souligne les points communs et les différences entre série TV et comic book. C’est l’occasion de pointer du doigt certaines pistes qui n’ont pas pu être explorées dans la BD et qui sont justement fort bien exploitées à la télévision. Je pense notamment au sort de Shane ou à la situation géographique du centre de recherche des maladies infectieuses d’Atlanta.

La couverture est splendide : il s’agit d’un montage mélangeant la fameuse affiche publicitaire de Rick qui entre à cheval dans Atlanta sur une autoroute déserte avec une version de la ville dessinée par Adlard. L’effet est très réussi.

Bref, alors même que le tome 14 de Walking Dead sort aujourd’hui dans toute la France, je peux vous dire que vous n’aurez pas six mois à attendre pour recevoir votre dose de morts-vivants sur papier. Annoncés pour la mi-novembre, ces deux ouvrages trouveront certainement une place de choix sous de nombreux sapins de Noël. Juste à côté de la Crèche… ça mettra l’ambiance !

Bien entendu, l’éditeur grenoblois ne va pas s’arrêter en si bon chemin et le tome 2 est déjà programmé. Si je n’ai pas signé la traduction du premier volume, je serai bel et bien au rendez-vous de ce deuxième tome pour adapter les dialogues de mon scénariste favori : Kirkman (Walking Dead, Invincible, Brit… que je traduis déjà aux éditions Delcourt, haha) !

Alors, Wolf-Man, est-ce que c’est bien ? C’est pas mal. Le script est honnête. Il y a de bonnes trouvailles, un côté soap opera très efficace, des quiproquos vaudevillesques qui seraient risibles s’ils ne se produisaient pas dans des situations aussi dramatiques (je vous rappelle que c’est une série avec des loups-garous et des vampires et que ces gens-là ont tendance à faire des victimes)… Mais bon, si vous avez un cœur de pierre, vous rirez quand même.

Les dessins sont très dynamiques. Pas particulièrement précis mais ils remplissent leur mission : décrire l’action de manière lisible et esthétique. Jason Howard a besoin de mûrir. La série s’étant arrêtée aux États-Unis, il perfectionne en ce moment son crayon sur Super-Dinosaur (véridique). Mais déjà, tout au long de la série (qui fournira un total de quatre recueils), on aura pu voir son trait s’améliorer.

Clairement installé dans le même univers super-héroïque qu’Invincible, Wolf-Man n’a pas à rougir de la comparaison avec Brit, par exemple, qui partage le même créateur (Robert Kirkman) et le même environnement narratif. J’aurais vraiment voulu que la série dure plus longtemps.

Les histoires auraient mérité d’être plus expéditives. Mieux : elles auraient mérité d’être racontées à coup de vingt-deux pages. Un épisode, une histoire : comme au bon vieux temps.

C’est typiquement avec des comics de ce genre (un loup-garou super-héros) qu’il faudrait renouer avec cette ancienne tradition de l’épisode auto-conclusif. Mais tout n’est pas perdu, le personnage existe encore !

Quand j’étais petit, et jusqu’à la fin des années 90, j’étais ce qu’on appelle un « Marvel Zombie ». En gros, j’aimais tellement les héros de cet univers fictif que j’achetais tout ce qui sortait en VF et une bonne partie de ce que je pouvais me permettre en VO. Mais un jour, lassé par les méthodes racoleuses de l’éditeur américain, j’ai jeté l’éponge. Trop de crossovers. Trop d’épisodes inutiles. Trop d’argent dépensé pour compléter ma collection au lieu d’acheter des livres pour le plaisir de les lire. « Onslaught », le grand événement de l’année 1996 a été la goûte de merde qui a fait déborder les chiottes.

Alors, j’ai continué à acheter du Marvel, des X-Men, et plein d’autres (et je ne parle pas de DC, là, c’est une autre histoire sur laquelle je reviendrai plus tard) mais le cœur n’y était plus. En tout cas, plus comme avant. L’arrivée de Joe Quesada au poste de co-rédacteur en chef (avec ce pitre de Bill Jemas) m’a fait croire à du mieux mais c’était une illusion.

Pire : le nouveau Marvel allait cracher sur ce qui avait fait tout son charme jusqu’alors : sa sacro-sainte continuité. Son histoire. Alors qu’autre fois, chaque épisode comptait, chaque épisode avait une signification, chaque épisode était une pierre dans l’immense maison que Stan et Jack avaient bâtie, désormais, chaque épisode était une pierre qu’on jetait dans l’eau. Il fallait faire beaucoup de vague mais une fois que le caillou avait coulé, on pouvait passer à autre chose.

Du coup, c’est ce que j’ai fait : je suis passé à autre chose. À l’ennemi, en l’occurrence, puisque l’ai réinvesti mon budget Marvel dans les séries DC. J’en lisais bien quand j’étais plus jeune, bien sûr (notamment les Jeunes Titans) mais après Crisis dans Super Star Comics (la revue Arédit), il n’y avait pas eu beaucoup de séries à se mettre sous la dent en VF.

DC, suite à « l’Heure Zéro », consolidait sa propre nouvelle continuité. Je me disais que ça allait durer. Mais en fait, non, ça ne peut pas durer. Parce que toutes ces histoires sont vouées à se répéter. Ça fait partie des règles du jeu. Tout comme à la fin d’une partie, on ramasse les cartes et on procède à une nouvelle donne, c’est pareil dans les comics. On ramasse les personnages et on redistribue.

Voilà, dans l’univers DC relancé tout récemment, les super-héros sont « nouveaux » pour les habitants humains. Et Batman n’a jamais rencontré Superman (j’y crois). Pour autant, maintenant que j’ai pris de la bouteille, j’accepte ces révolutions de palais. Et je m’en réjouis, même. Car finalement, même si les personnages ont oublié qu’ils se sont rencontrés des centaines de fois, ils n’ont pas effacé ces histoires qui m’ont fait rêver auparavant. Et moi, je ne souffre pas d’anosognosie.

Alzheimer ou pas, mes comics sont toujours sur mes étagères. Et je peux les relire quand je veux ! Si les scénaristes (ou les costards cravates) de DC veulent raconter à nouveau la première rencontre du slip rouge (enfin, non… mais je me comprends) avec l’homme chauve-souris, grand bien leur fasse. Tout ce que je demande, c’est qu’ils le fassent bien.

Différente des précédentes, cette version a le mérite de rimer, d’être claire et d’utiliser le nom “Green Lantern”.

Comme me l’a fort justement fait remarquer mon ami Jérôme Wicky, traducteur de comics de haut vol, “on aurait dû y penser plus tôt”. Je pense que ce serment, par sa qualité et son utilisation dans le film, sera la nouvelle référence pour la nouvelle ère “DC Comics” qui va démarrer chez Dargaud en 2012.

En plein jour ou dans la nuit noire
Nul mal n’échappe à mon regard
Que ceux qui devant le mal se prosternent
Craignent la lumière des Green Lantern !

Pour mémoire, voici la version originale du serment, suivie par les versions précédentes, réunies grâce à la mémoire de mes collègues Jim Lainé, Alex Nikolavitch et – encore lui – Jérôme Wicky !

VO

In Brightest Day, In Blackest Night,
No Evil Shall Escape My Sight…
Let Those Who Worship Evil’s Might,
Beware My Power…Green Lantern’s Light

JPJ

En plein jour et dans la nuit noire,
Nul mal n’échappe à mon regard.
Suppôts du mal, craignez votre perte
À la lumière de la lanterne verte !

JML

Dans les cieux les plus clairs, dans les nuits les plus sombres
Le mal ne pourra plus se cacher dans l’ombre.
Que de l’horreur et du mal les suppôts …
Apprennent à craindre de Green Lantern le flambeau !

Duck Dodgers

Au plus clair des jours, au plus sombre des nuits
Aucun mal ne sera permis.
Brigands, vous vous agitez en perte
Vous trouverez toujours devant vous la lanterne verte.

Ligue des Justiciers

En pleine lumière et au cœur de la nuit,
De tout temps je surveillerai mes ennemis,
Que tous ceux qui se font le suppôt de la haine,
Prennent garde et craignent la lumière de Green Lantern

Guy Gardner

Lui, c’est mon préféré, probablement grâce à son appartenance à la Justice League de Giffen et DeMatteis. Déconneur, râleur, de mauvaise foi… tiens, je me rends compte que si Jim Lainé était un super-héros, il pourrait être Guy Gardner. Enfin, il lui faudrait faire un peu de muscu, quand même.

Après avoir perdu le droit de porter son anneau de Green Lantern, il chaussa la bague jaune de Sinestro. Je passerai sous silence sa transformation en « Warrior ». Ne cherchez pas, vous me remercierez.

John Stewart

Lui, à l’époque où il a été créé, c’est un miracle qu’il ne se soit pas fait appeler « Black Lantern ». Il fut le remplaçant attitré de Hal Jordan, devant ce pauvre Gardner.

Pourtant, c’est au sein des Darkstars qu’il continua sa carrière de protecteur spatial. Pour mémoire, les Darkstars étaient une espèce de force d’intervention concurrente au GL Corps, qui eut droit à sa propre série dessinée par un Travis Charest débutant qui imitait Jim Lee.

Blessé au combat, John Stewart se retrouve paralysé comme Barbara Gordon. Il retrouvera l’usage de ses jambes grâce à… Parallax. Allez comprendre.

Kyle Rayner

Lui, franchement, son design était vraiment craignos. Pour un héros qui est dessinateur de profession, il aurait pu faire un effort. Quel horrible masque ! Malgré tout, il trouva le moyen de sortir avec Jade, la fille d’Alan Scott, le premier Green Lantern, celui de la SDJ (ou de la JSA si vous parlez anglais). Bien joué, gamin !

Lorsque le Superman Cyborg détruisit sa ville de Coast City, il devint fou de chagrin et bascula dans la folie. Les Gardiens de l’Univers ne lui permettant pas de recréer son foyer, il les anéantit avec le Corps des Green Lantern, devenant ainsi la menace cosmique Parallax, identité sous laquelle il mourut.

Bien entendu, dans les comics, chez DC comme chez Marvel, on ne reste jamais décédé bien longtemps. C’est sous l’apparence du Spectre qu’Hal Jordan fit son grand retour, avant de reprendre tout simplement son rôle de Green Lantern. Aujourd’hui, c’est toujours lui qui remplit ce rôle, y compris au cinéma !

De la même manière que Superman peut être vaincu par la Kryptonite, les anneaux sont inefficaces contre tout ce qui est jaune.

Alan Scott : le premier à revêtir l’identité de Green Lantern

Il y a très longtemps, les Gardiens de l’Univers ont enfermé les énergies magiques du cosmos dans une sphère nommée « le Cœur d’Étoile ». L’anneau et la batterie du premier Green Lantern sont tirés d’un fragment de cet objet. À l’époque, il fonctionnait très bien contre la couleur jaune… mais pas contre le bois.

Alan Scott fut le premier à prononcer le fameux serment des Green Lanterns.

Lors de la Deuxième Guerre Mondiale, Alan Scott devint l’un des membres fondateurs de la Société de Justice d’Amérique, ancêtre de la Ligue de Justice.

Avec le temps, l’énergie du Cœur d’Étoile finit par imprégner définitivement le corps du premier GL qui n’eut dès lors plus besoin d’anneau pour exercer son pouvoir. Il prit brièvement le nom de Sentinel avant de reprendre à nouveau son identité de Green Lantern.

Pourquoi je vous parle d’Alan Scott ? Eh bien, parce que je participe à une discussion autour du film qui sort cette semaine, à l’occasion de l’avant-première du film Green Lantern au cinéma de Mérignac, mardi 9 août 2011 à 19h00 !

À titre personnel, j’aime bien participer à ce genre d’événement. C’est un excellent moyen de voir autre chose, de s’aérer l’esprit et de puiser du vocabulaire frais auprès d’une jeunesse que je fréquente de moins en moins, par la force des choses. Eh oui, ça fait vingt ans que je l’ai eu, mon bac… J’ai passé plus de temps avec lui que sans lui. Dingue.

Je salue la volonté des pouvoirs en place de ne pas céder à la facilité en ne faisant appel qu’à des traducteurs et traductrices d’anglais. De nombreuses autres langues européennes sont à l’honneur pour ce programme : russe, portugais, italien, espagnol, allemand… j’en oublie.

De ces ateliers, quelques questions émergent à propos du métier de traducteur, notamment autour de la liberté et de la contrainte. Précisément les mêmes questions qui animent les apéros de traducteurs ou les soirées arrosées entre confrères de l’adaptation littéraire.

Jusqu’où peut-on s’affranchir du texte d’origine ? Le travail auprès des lycéens donne une réponse qui me convient très bien : aux chiottes les traductions sourcières ! Parce que traduire un texte, c’est d’abord le comprendre. C’est l’analyser, puis le reformuler dans une autre langue. Vers une autre langue. Vers d’autres locuteurs qui ont leurs propres systèmes de langages. Leurs propres cultures.

Une traduction n’est pas « juste » ou « fausse ». Elle convient. Elle est adaptée. Elle est cohérente. Ou elle est à chier… mais ne parlons pas des choses qui fâchent.

Traduire un texte étranger, c’est se réapproprier sa propre langue. C’est apprivoiser un morceau de culture étrangère pour l’intégrer dans sa propre culture d’arrivée. Un travail d’adaptation est nécessaire. On ne lâche pas un texte en langue étrangère comme ça, dans la nature, sans risque.

La pensée ne se formule pas de la même façon selon la langue et la culture d’origine du penseur. On raconte que les eskimos ont une dizaine de mots qui se traduisent tous par « blanc » en français. Pour penser juste, il faut maîtriser sa langue. D’où l’importance des études générales. Celles qui forment un honnête homme plutôt qu’un consommateur.

Ces ateliers de traduction n’ont pas pour objectif de former des traducteurs professionnels (j’ai assez de concurrence comme ça, merci). Cependant, ils peuvent former des traducteurs. Des traducteurs de la pensée. Nous avons besoin de traduire pour comprendre : traduire les signes, les lettres, les mots. Apprendre à traduire, c’est apprendre à comprendre. Et la compréhension, c’est le point de départ d’une pensée qui se construit. C’est le point de départ de la liberté.

Pour être libre, il faut comprendre. Il faut pouvoir déchiffrer le sous-texte. Entendre l’inaudible. Quand j’étais au collège, ma prof d’histoire-géo nous a dit qu’on devait savoir lire entre les lignes. Héhé. « C’est écrit en blanc », je lui ai répondu. J’étais joueur.

Que vaut notre liberté si on a monnayé notre temps de cerveau disponible jusqu’à plus soif ? Attention, je ne suis pas dupe. Je prends ma part de responsabilité dans tout ça. Après tout, je traduis des œuvres de divertissement à l’accent yankee ou hollywoodien. Propagandes silencieuses. Je suis coupable.

Coupable de quoi ? D’avoir aimé lire des aventures de mecs en super-slips. D’avoir fait le tour du monde en 80 jours après une visite au Temple du Soleil. Je suis tombé dans la marmite de la lecture quand j’étais petit. Et maintenant que je suis grand, j’y pousse mes gosses. Et ceux des autres. Mais en français dans le texte !

Comment faire pour obtenir gratuitement ce livre électronique ? C’est très simple…

Vous allez m’aider à promouvoir cet album de BD en en parlant autour de vous sur Facebook ou sur Twitter !

Cliquez sur le bouton ci-dessus et vous obtiendrez le lien de téléchargement de l’e-book démo “Morsures”. Si vous n’avez pas de compte Twitter ou de compte Facebook, vous pouvez néanmoins obtenir ce livret électronique : parlez de MORSURES sur un forum BD, comics ou manga et laissez-moi le lien ci-dessous dans les commentaires.

Merci d’avance pour votre aide qui me sera certainement précieuse. Et pensez à visiter vos librairies BD favorites pour vous y procurer MORSURES !

Par ailleurs, si vous souhaitez découvrir les premières pages de la BD dans un e-book au format PDF, je vous invite à me suivre sur Facebook et Twitter. Ou bien à vous abonner à ce blog. Je mettrai très prochainement un e-book des premières pages à télécharger. Ne le ratez pas !

Vous aimez les vampires et les loup-garous ? Très bientôt, ne manquez pas le téléchargement gratuit de la démo de MORSURES !

Voici pour vous en exclusivité une planche de la VF !

Attention, la sortie du bouquin est prévue pour le 9 juin : dans trois semaines. Pour patienter, je vous invite également à faire un tour à l’expo Stan Lee organisée pour l’occasion à Paris.

STAN LEE présente STARBORN (aux Editions… par EP_Editions

En bonus, une planche de TRAVELER :

Voici en exclusivité la couverture inédite de l’édition française, réalisée par Frank Quitely (uniquement pour la VF, bande de veinards) :

L’ouvrage paraîtra en octobre 2011. Il comptera 320 pages et de nombreuses (et superbes) illustrations : photos, documents divers, planches BD (story-board, crayonnés, encrage, couleur), extraits de scripts. Il raconte l’ensemble de la vie du scénariste Alan Moore, de sa naissance en 1953 jusqu’à aujourd’hui. Auteur de BD complet, musicien, chamane… cet homme a tout essayé et il nous emmènera certainement encore plus loin.

En attendant, cette biographie publiée en VF par le label Hugin & Munin des éditions Dargaud sera un excellent moyen de faire le point sur la riche carrière de cet extraordinaire créateur d’imaginaire.

En effet, en tant que traducteur, je ne travaille pas toujours à partir des comics originaux. Il n’est pas rare que je doive travailler sur photocopies ou sur tirages papier.

Aujourd’hui, grâce à mon Page-Up (un seul suffit), je peux glisser verticalement les pages de comics que je suis en train de traduire à la gauche de mon clavier pour les avoir facilement sous les yeux quand je tape. Récemment, alors que je terminais une traduction urgente dans le TGV, je me suis vraiment rendu compte du côté pratique de la chose… tout simplement parce que je n’en avais pas et que j’étais obligé de faire tenir mes feuilles volantes sur une petite tablette ou bien à moitié sur mes genoux.

J’ai vu qu’ils en vendaient sur Amazon. Je sais qu’ils en vendent dans la plupart des magasins de fournitures de bureaux. Un jour, quand on aura du fric, on se fera peut-être fabriquer un modèle Page-Up “MAKMA“. Ce serait classe. En attendant, j’utilise un modèle bleu, tout simple, qui m’accompagne depuis des années et qui n’est pas près de me quitter !

EFDLT : Finalement, dans Mythe & Super-héros, tu dévoiles plus ou moins la recette pour créer une équipe de super-héros réussie, alors ?

Alex Nikolavitch : La recette, peut-être pas, mais je montre ce qui marche et ce qui marche moins. Je devrais créer une équipe de super-héros de but en blanc, je serais sans doute très emmerdé. Je retomberais probablement sur des clichés X-Manoïdes. La plupart des équipes qui ont fonctionné d’emblée utilisaient des personnages préexistants. Les X-Men n’ont pas fonctionné au départ, d’ailleurs. Il a fallu attendre les années 70 pour que le titre soit un vrai succès, au moment où il a fait le tri, collé certains anciens X-Men à des personnages récupérés à droite et à gauche (Sunfire, Wolverine, Banshee), les nouveaux personnages étant minoritaires dans le mix, ou vite éliminés. Cela permettait d’avoir dès le départ une dynamique avec ceux qui savaient et ceux qui étaient candides. Sinon, la JLA, les Titans, les Avengers, ou même Authority, ce sont à chaque fois des personnages ou des concepts préexistants.

Pour simplifier, je dirais qu’il serait plus facile de créer un groupe avec, mettons, Hellboy, Marv, The Mask, Grendel et Barb Wire (pour regrouper des personnages publiés chez un même éditeur, ici Dark Horse) que d’essayer de faire fonctionner le même groupe en inventant un personnage de démon à la Hellboy, un perso de gros dur à la Marv, un trickster fou furieux à la The Mask, etc.

On pourrait citer Watchmen en contre exemple (tous les personnages sont des démarquages des héros Charlton, the Question, Peacemaker, Captain Atom, etc.) mais justement, le groupe en question ne fonctionne pas, et c’est le sujet de Watchmen, cette dysfonction fondamentale. Ou un des sujets, en tout cas.

EFDLT : Parmi ces figures archétypales, est-ce qu’il y en a une qui t’intéresse plus que les autres ? Qui t’inspire pour l’écriture ?

Alex Nikolavitch : Aucune en particulier. Ce qui est intéressant, ce sont les interactions entre archétypes. Ce qui est intéressant, ce n’est ni le maître, ni le disciple, mais la façon dont va se construire la relation, qui est différente dans le cas d’Obi-Wan / Luke et de Merlin / Arthur, par exemple, même si le décorum est quasiment le même (autorité morale, transmission de l’arme paternelle et de la tradition qui l’accompagne, etc.). De même que l’archétype du dictateur malfaisant, Fatalis ou Darkseid, ne devient intéressant que quand on creuse leur contexte, leurs rapports complexes avec leurs adversaires. Fatalis devient immense à partir du moment où il ravale son orgueil pour appeler Reed Richards à l’aide.

EFDLT : Oui, en effet. C’est toujours efficace, ce genre de moment. Pour conclure à propos de ton ouvrage, est-ce que sa rédaction t’a appris quelque chose qui va changer ta manière d’appréhender l’écriture d’un scénario de BD ?

Alex Nikolavitch : C’est plutôt l’inverse, je dirais. Ou en tout cas, c’est un rapport croisé : mon approche de l’écriture a nourri certaines réflexions qu’on retrouve dans le livre, et le fait de mettre à plat toutes ces considérations m’a obligé à les formuler, à les formaliser. D’un autre côté, je me méfie des dogmes, dans l’écriture, des “c’est comme ça qu’il faut faire” assénés comme des vérités incontournables. Du coup, tout ce que je peux raconter sur l’écriture peut tout à fait être contesté et détourné, et c’est très bien comme ça.

EFDLT : Pour la contestation, je ne sais pas mais pour le détournement, tu peux compter sur moi. Merci !

En avant première, voici un aperçu de la couverture de cette bande dessinée virtuelle qui reprend des planches BD des trois tomes parus chez Kantik.

Pour savoir comment télécharger gratuitement “Quota de blagues” (notez l’astucieux jeu de mot), suivez dès aujourd’hui le compte Twitter de la BD Banc de Touche !

EFDLT : Dans Mythe & Super-héros, tu t’appuies sur les travaux de Georges Dumézil et Joseph Campbell pour souligner les schémas structurels qui semblent attachés aux histoires de héros, qu’ils soient super ou antiques. Il s’agit vraiment d’un invariant ? Peut-on casser cette structure sans risque ?

Alex Nikolavitch : Je m’appuie sur eux parce que ce sont les plus connus et les plus accessibles. Leurs structures ne sont pas invariantes, elles sont juste très répandues et très efficaces. Le schéma de Campbell est celui du voyage initiatique, il ne s’applique pas vraiment à la structure feuilletonnante sans fin des comics. On ne peut le retrouver que dans des narrations de l’origine du héros (et pas toujours, encore) ou dans des situations de crise (Daredevil : Born Again, par exemple), en tout cas de façon ponctuelle.

Les archétypes duméziliens, eux, sont avant tout une articulation de fonctions sociales. Il est normal qu’on les retrouve un peu partout dans les groupes de super-héros, et en général, leur utilisation est totalement inconsciente de la part des auteurs. Qui plus est, d’autres groupes s’en passent très bien, j’évoquais les Fantastic Four (construits sur une symbolique des quatre éléments) ou Authority (ou la structure inspirée de la JLA est complètement reconstruite et subvertie).

Après, casser ces structures, c’est presque un devoir. Mais pour les casser efficacement, c’est bien de les connaître. Quand j’ai fait Tengu-Do, je l’ai construit sur une structure campbellienne rigoureuse. Une partie de la blague tenait au fait que la structure était, dans sa forme, parfaitement respectée. J’y avais juste ajouté un élément qui, à l’arrivée, la retournait et la subvertissait de fond en comble, qui en pervertissait le sens. Mais toutes les étapes y étaient.

Connaître la structure de la triade de Dumézil, c’est poser des réseaux puissants de relations et de dépendances entre les personnages. Changer cette structure, c’est devoir repenser une partie de ces réseaux. Mais après, il ne suffit pas d’empiler des archétypes pour faire un bon groupe de super-héros : j’évoque dans un chapitre le foisonnement des groupes de super-héros aux débuts des Image Comics, dans lesquels on sent bien la volonté de récupérer des archétypes connus (les X-Men, essentiellement), mais sans y réfléchir en profondeur. Résultat, il n’y a guère que dans Gen-13 que ça fonctionnait correctement d’emblée. Sur WildC.A.T.s, il a fallu près de quinze numéros pour que ça commence à ressembler à quelque chose, et encore, au prix d’une redéfinition violente de tout le concept. Sur Stormwatch, c’est passé par l’élimination de plus de la moitié du casting, à l’arrivée de Warren Ellis.

[à suivre]

[Nikolavitch War Zone]